Threshold

김찬송(b.1988)은 오랫동안 신체를 통해 존재의 견고함이 흐려지고 유동적으로 변화하는 순간을 탐구해왔다. 익숙했던 자신의 몸이 어느 순간 낯설고 물성적인 대상으로 감각되는 경험에서 출발한 그의 작업은 신체의 일부를 분절하고 확대하거나 얼굴을 가리는 장면을 통해 바라보는 주체와 대상 사이의 관계를 다시 묻는다. 최근에는 익명의 몸에서 더 나아가 ‘피부’라는 표면에 집중하며, 신체 내부와 외부의 관계를 감각적인 차원에서 탐구하고 있다. 그의 작업에서 피부는 단순히 신체의 외곽을 이루는 형상이 아니라, 외부와 접촉하고 시간을 통과하며 만남의 흔적을 기록하는 살아 있는 표면이다. 특히 피부에 맺힌 땀과 같은 통제할 수 없는 생리적 현상은 신체가 의식 이전부터 세계와 관계 맺고 있음을 자각하게 하는 계기가 된다. 김찬송은 이러한 피부의 유동성과 불확실성을 통해 자신과 세계를 명확하게 분리해 인식하는 방식에 질문을 던지며, 존재가 형성되고 흔들리는 감각적 순간을 화면 안에 붙잡는다.Chansong Kim (b. 1988) has long explored moments in which the solidity of existence becomes blurred and fluid through the body. Beginning with experiences in which her familiar body suddenly feels unfamiliar and material, her work questions the relationship between the viewing subject and its object through fragmented and enlarged body parts or scenes that conceal the face. More recently, she has moved beyond the anonymous body to focus on the surface of “skin,” exploring the relationship between the inside and outside of the body on a sensory level. In her work, skin is not simply the form that encloses the body, but a living surface that comes into contact with the outside world, passes through time, and records traces of encounter. In particular, uncontrollable physiological phenomena such as sweat on the skin make us aware that the body is already in relation to the world prior to conscious awareness. Through the fluidity and uncertainty of skin, Kim questions the way we perceive ourselves and the world as clearly separate, capturing on the canvas those sensory moments in which existence is formed and unsettled.

황원해(b.1989)는 도시를 구성하는 건축의 외피와 표면에서 발생하는 변화와 균열의 순간을 포착해왔다. 그에게 도시는 익숙한 장소인 동시에 끊임없이 변화하고 팽창하는 불가해한 공간이며, 그 안에서 신체는 완전히 정착하지 못한 채 감각적으로 흔들린다. 작가는 건축물의 파사드와 유리 표면, 스크린의 반사와 일그러짐처럼 도시에서 쉽게 지나칠 수 있는 미시적인 장면에 주목하며, 현실과 이미지, 내부와 외부, 평면과 입체가 교차하는 도시의 감각을 회화로 옮겨온다. 이때 구체적인 건축의 형상과 추상적인 이미지를 서로 침투시켜 어느 하나가 완전히 드러나거나 사라지지 않는 상태를 만들어낸다. 황원해에게 회화는 완성된 도시의 모습을 재현하는 평면이 아니라 외부의 움직임과 시간이 흔적처럼 쌓이고 다시 변형되는 유동적인 표면으로 기능한다. 이를 통해 그는 도시와 신체, 현실과 이미지 사이에서 발생하는 미세한 틈과 그곳에서 감각되는 불안정성과 현기증의 경험을 회화적으로 확장한다.Wonhae Hwang (b. 1989) has captured moments of change and rupture emerging across the architectural skins and surfaces of the city. For her, the city is both a familiar place and an inscrutable space that constantly changes and expands, within which the body remains sensorially unsettled rather than fully grounded. She focuses on minute scenes that can easily go unnoticed in the city—such as facades, glass surfaces, and reflections and distortions on screens—and translates into painting a sense of the urban where reality and image, interior and exterior, and plane and volume intersect. By allowing concrete architectural forms and abstract images to permeate one another, she creates states in which neither is fully revealed nor disappears entirely. For Hwang, painting is not a plane that reproduces a completed image of the city, but a fluid surface where external movement and time accumulate as traces and are continually transformed. Through this process, she expands into painting the subtle gaps between city and body, reality and image, as well as the experiences of instability and vertigo sensed within them.